Как здорово встречаться и как грустно расставаться! Когда расстаются однокурсники по окончании учебы, возможно, кто-то выдохнет с облегчением, а кому-то по-настоящему станет грустно, потому что понимает, что это, возможно, были одни из лучших лет жизни, став, возможно, самым светлым воспоминанием.
В 2017 году Миндаугас Карбаускис набрал в свою мастерскую в РАТИ 19 студентов из России, Казахстана, Беларуси, Словении и Эстонии. Прошло всего четыре года. И вот ребята, среди которых есть и уже зрелые 27-30-летние люди, оказались на пороге новых открытий и ожиданий. Забегая наперед, скажу, что курс получился очень интересный. Все, без исключения, не говоря об актерском таланте, танцующие, поющие и владеющие музыкальными инструментами: фортепиано, аккордеон, балалайка, гитара и бас-гитара, канон, перкуссия, виолончель, кахон (думаю, что это далеко не полный список инструментов, профессионально звучащих в их руках), что молодые актеры с успехом демонстрировали практически во всех постановках и, конечно же, на выпускном концерте.
Я всегда радуюсь, когда есть возможность посмотреть актеров в разных спектаклях. Только в этом случае можно увидеть весь возможный диапазон и широту таланта. А увидеть актеров в начале их пути, чтобы потом проследить за их дальнейшей творческой судьбой - просто уникальная возможность.
В ГИТИСе (РАТИ) прошла неделя выпускных спектаклей «Прощай, ГИТИС!» мастерской Миндаугаса Карбаускиса. Пять вечеров, пять разных постановок разных режиссеров. Показы начались со сценической композиции на основе 11-й книги романа Ф.М. Достоевского «Братья Карамазовы» «Кто убил Федора Павловича?» в постановке Анатолия Шульева.
Минималистская постановка в сценографическом решении (черный кабинет, на стенах которого мелом сделаны надписи и нарисованы персонажи и портрет Федора Павловича в том числе) густо замешана эмоционально. Никаких «вступлений» или времени для «входа» в атмосферу. На зрителя сразу выплескивается сильная нагрузка в виде эпилептического удара Смердякова (Иван Сапфиров). А дальше был результат кропотливой и сложной работы с литературным текстом. И актеры (а это уже профессиональные актеры!) этот материал освоили, вжились в него, прониклись им, а потому и каждый созданный образ - емкий, содержательный и, главное, внятный с точки зрения художественности и сверхзадачи и в отдельно взятой сцене, и в спектакле в целом.
Порадовало, как молодые актеры разобрали на мельчайшие нюансы сложнейший литературный материал, сделав тем самым серьезную заявку на будущее. Без преувеличения, эта постановка может украсить репертуар любого театра. И что самое важное - нет ни грамма фальши. При том, что актеры поют, некоторые сцены четко выстроены хореографически (совершенно вразрез с психологическим театром) и в спектакле огромное количество неожиданных решений (например, сцена повешения Смердякова на... полу, в горизонтальной плоскости, или когда в финале к зрителю в первом ряду подкатывают огромный стол со стопками водки и солеными огурцами на поминках Федора Павловича). К слову, молодым свойствен «разрыв шаблонов», они смело экспериментируют, не боятся привычные вещи показать под неожиданным углом. Такое редко увидишь и в профессиональном театре.
Возможно, чуть более ярким в силу характера героини получилась г-жа Хохлакова Юлии Марычевой. В ней была и истерика, и экспрессия, и «затишье». Но только на долю секунды. И снова взрыв эмоций, быстрая речь, как будто она боялась забыть или не успеть что-то сказать Алеше Карамазову. Такой своеобразный «поток сознания». Актриса помимо всего прочего еще и музыкально сопровождала спектакль, извлекая (именно так!) из оголенных струн фортепиано звуки, создающие атмосферу и задающие темпоритм всему происходящему на сцене.
Спектакль, с одной стороны, получился чередой монологов, большинство из которых выслушивает Алеша (Станислав Кардашев), но с другой - в поиске ответа на поставленный вопрос (на который, кстати, так и не ответили, поскольку важен не финал, а процесс «дознания») все настолько переплетено в тугой узел взаимоотношений, что отдельно взятые монологи сливаются в одно целое, когда невозможно вычленить даже отдельный маленький эпизод. И что получилось? Взяли художественный текст, разобрали на детали и в итоге сложили этот паззл снова, но уже в сценической версии.
«Обыкновенная история» И.А. Гончарова в постановке Никиты Кобелева - совершенно другой по темпоритму, стилистике и интонации спектакль. Интересным и неожиданным ходом было назначить на роль Александра Адуева пятерых актеров (Иван Ковалюнас, Иван Сапфиров, Максим Наумов, Семен Алёшин, Станислав Кардашев). Конечно, это мог быть ход чисто практический - задействовать как можно больше студентов. Но почему-то такой вывод приходит в последнюю очередь. На наших глазах Александр постепенно из наивного, восторженного романтика, верящего в любовь и справедливость, превращается в прагматика и циника. И каждый новый психологический «период взросления» играет другой актер. Так в спектакле сыграно пять разных характеров.
Эта обыкновенная история будет всегда самой обыкновенной. И чем технологичней и бездушней становится наш мир, тем более обыкновенной будет восприниматься эта история, когда большие города продолжат перемалывать и переламывать всех и вся. Процесс остается неизменным, меняются только технологии. В ГИТИСе поставили вневременной спектакль. Текст практически остался нетронутым, оделись по-современному, мебель использовали только по необходимости и то, что было, как говорится, под рукой. И это все второстепенное. Главное, о чем и как.
А получилось о каждом из нас: как научиться слушать и слышать друг друга, как суметь, несмотря ни на что, оставаться в ладу, в первую очередь, с самим собой, а значит, и с окружающими, как при всех современных «вводных» суметь сохранить себя, остаться романтиком, не разучиться писать стихи, видеть красивое, уметь радоваться самым обыкновенным вещам, не забывать своих родных и близких и находить для них хоть чуточку времени.
Если говорить, как получилось, то получилось «взаправду». Искренне, по-настоящему, без фальши. А главное - попадает в каждого зрителя и заставляет остановиться и что-то понять про себя. Ко всему прочему, спектакль очень музыкальный. Актеры, перевоплощаясь в разных персонажей (некоторые в нескольких), еще выступают и в качестве музыкантов, играя на аккордеоне и фортепиано, бас-гитаре и гитаре, каноне и перкуссии, виолончели и кахоне, а в финале вдруг совершенно неожиданно в исполнении Аси Фоменко (Елизавета Адуева) прозвучала песня «Масала Доса» Бориса Гребенщикова, которая оказалась созвучной тому, что происходило на сцене в течение трех часов. Вот уж действительно, «на честь и совесть больше нету нынче спроса».
По-особенному атмосферным получился спектакль «В день свадьбы» на Малой сцене Театра им. Вл. Маяковского, поставленный Анастасией Имамовой. Больше всего удивило, как молодые ребята, ни дня не прожившие в СССР, сумели передать его атмосферу. Очень часто, просматривая современные фильмы «советской эпохи», ловишь себя на мысли, что и лица не те, и атмосфера искусственная. А тут вдруг все такое живое и такое настоящее. И главное - лица! Пьеса написана в 1964 году, но текст архисовременный, потому что про настоящие человеческие чувства. Про то, как те, кого мы считаем легкомысленными, вдруг оказываются самыми настоящими, надежными друзьями, к которым нужно прислушаться, как Василий Семена Алёшина, а «правильные» и положительные во всех отношениях - нерешительными, когда нужно сделать честный, прежде всего перед собой, выбор, как Михаил Максима Наумова. Когда вдруг оказывается, что за внешним спокойствием и благополучием скрывается настоящая драма, потому что когда-то сделал неправильный выбор, а когда пришло понимание, что жизнь течет без радости, снова не хватает смелости (или чего-то иного) изменить все и наконец-то начать по-настоящему жить! Именно так случается с героиней Арины Назаровой Ритой. А как быть, если твое решение разобьет сердце другому? Очень сложный вопрос. И Нюра Алеси Алисиевич - яркий пример того, как найти в себе силы и стойко принять чужой выбор.
К чести молодых артистов скажу, что их мастерство и профессионализм ничем не уступают мастерству и профессионализму заслуженного артиста России Юрия Коренева, исполняющего роль отца семейства Ильи Салова. Ребята играют спектакль о Выборе и о Возможном Счастье, при этом рассказывая нам несколько несчастливых историй. Да, в этом спектакле, по сути, нет ни одного по-настоящему счастливого героя. Мне, конечно, возразят, что постоянно счастливых людей на этой земле не бывает. И это действительно так. Но если учиться прислушиваться, слушать и слышать себя, и тех, кто рядом, говорить друг с другом, а не таить в себе обиды и сомнения, то, наверное, можно в какой-то степени достичь внутреннего комфорта и ощущения, что жизнь все-таки прекрасна! Пожалуй, из всех увиденных выпускных спектаклей этот оставил в душе самые теплые и светлые чувства. И его хочется снова пересмотреть.
Постановка Миндаугаса Карбаускиса «Йокнапатофа» по роману У. Фолкнера «Когда она умирала» выделяется среди других нетривиальным сюжетом и оригинальной стилистикой. Место действия - выдуманный Фолкнером округ на юге США. После смерти матери большая семья отправляется в путешествие (всего-то 40 км), чтобы похоронить ее в другом штате рядом с родственниками. И по дороге с ними происходят разные не очень приятные приключения.
Художник-постановщик Мария Митрофанова создала достаточно некомфортное пространство. Две наклонные плоскости, которые актерам все время необходимо преодолевать, символизируют не только горную местность, но и внутренний дискомфорт героев. Удивительным образом это пространство дышит испепеляющим зноем, который усиливает появление воды на сцене, когда моют полы, стирают и развешивают мокрое белье, «переплывают» реку и выходят из нее мокрыми.
Я бы назвала эту постановку геометрической. Четкие линии декорации, острые углы во взаимоотношениях. Ни романтики, ни любви в нашем понимании. В семье нет нежности. Вернее, на это просто нет времени, а есть работа, работа, работа. И если бы не долг перед умершей и необходимость отправиться в путешествие, будучи совершенно к этому не подготовленными, потому что вся жизнь проходит на конкретном куске земли, так бы все и продолжали работать с утра до вечера на своей ферме. Студенты Юлия Марычева (Адди) и Станислав Кардашев (Вардаман) уже стали лауреатами Ежегодной театральной премии газеты «Московский Комсомолец» за лучшие женскую и мужскую роль второго плана в номинации «Начинающие».
Постановка Никиты Кобелева «Москва. Дословно» сделана в жанре документальных историй жителей большого города. Ребята еще на втором курсе в рамках одного из экзаменов знакомились на улице, слушали и записывали настоящие истории москвичей и немосквичей, запоминали, наблюдали, а потом воссоздали образы на сцене. Получилось своего рода «лоскутное одеяло», как сегодня модно говорить patchwork. И если вспомнить советский фильм, к этой постановке очень подходит выражение «Москва - город контрастов». В этом, конечно, ребята Америку не открыли, но какие именно персонажи попали в круг их интересов, свидетельствует о том, что ни у кого из них не было задачи пойти по пути наименьшего сопротивления. Наоборот, практически все образы получились «на сопротивлении», насколько можно судить по работам в других спектаклях. Продавцы, студенты, бабушки, посетители чебуречной, подростки, художники, гастарбайтеры и многие другие. Примечательно, что актеры не дают никаких оценок и не осуждают своих героев (хотя, например, наркоманок и есть за что), а пытаются их понять и разобраться, почему эти люди оказались там, где они есть.
Что еще можно добавить? Почему не всех назвала? Поверьте, что без злого умысла кого-то обидеть. Зная, как приятно каждому актеру прочитать свою фамилию и хотя бы несколько слов, даже ставила перед собой задачу не называть имен, но это сделать практически невозможно, потому что, акцентируя какие-то моменты, все равно есть необходимость кого-то упомянуть.
Со мной согласится каждый, кто видел хотя бы одну постановку: ребята все очень талантливы и достойно украсят любую театральную труппу. Идеально, если бы была возможность сохранить их в одном коллективе. Но увы! Хочу пожелать, чтобы у каждого в будущем сложилась своя собственная интересная творческая судьба. Чтобы зрители смогли наблюдать за их успехами на сцене и на экране и могли похвастаться тем, что видели этих артистов еще на студенческой сцене. Удачи! И в добрый час!
Оригинал статьи
